PAOLO PARISI – UNITÉ D’HABITATION (PLATFORM)

Unitè d’habitation (Platform), 2016, off-set print on paper, cm 68×99, edition of 100 numbered and signed Unitè d’habitation, 2010, oil on wood, cm 170×210, installation view, Lato, Prato, Courtesy the artist U.s.a.i.s.o., 1996/2107 - “A Place to Be” - 2017 - installation view Lato - Prato - Courtesy the artist
U.s.a.i.s.o., 1996/2107 - “A Place to Be” - 2017 - installation view Lato - Prato - Courtesy the artist U.s.a.i.s.o., 1996/2107 - “A Place to Be” - 2017 - installation view Lato - Prato - Courtesy the artist U.s.a.i.s.o., 1996/2107 - “A Place to Be” - 2017 - installation view Lato - Prato - Courtesy the artist
Il problema della condivisione dello spazio disponibile in architettura e rispetto al colore della pittura - 2017 - A place to be - colored plexiglas, still wire, dimensions variable - Installation view, Lato, Prato - Courtesy the artist Il problema della condivisione dello spazio disponibile in architettura e rispetto al colore della pittura - 2017 - A place to be - colored plexiglas, still wire, dimensions variable - Installation view, Lato, Prato - Courtesy the artist Il problema della condivisione dello spazio disponibile in architettura e rispetto al colore della pittura - 2017 - A place to be - colored plexiglas, still wire, dimensions variable - Installation view, Lato, Prato - Courtesy the artist Live Electronics - “A Place to Be” - 2017 - Installation view, Lato, Prato - Courtesy the artist and Tommaso Rosati
Stealing - “A Place to Be” - 2017 - Installation view, Lato, Prato - Courtesy the artist and Kinkaleri Into Architecture - “A Place to Be” - 2017 - Installation view, Lato, Prato - Courtesy the artist and Marco Meozzi Orientarsi - “A Place to Be” - 2017 - Installation view, Lato, Prato - Courtesy the artist and Fabio Cresci, Enrico Vezzi, Remo Zanin Infinito - “A Place to Be” - 2017 - Installation view, Lato, Prato - Courtesy the artist and Vittoria Ciolini, Alba Braza

Attempts towards a proximity between the artistic dimension – which is always representative of “something else” – and the practice adhering to the functions that are carried out in everyday life, take on a certain degree of concreteness when they are inclined to the idea of usefulness, as happened in a programmatic way in industrial production and architecture during the “modernism” that develops at the beginning of the twentieth century. A different and more complex discussion, instead, is to try to outline what is the general relevance of art for our sensitivity, with regard to personal attitudes to look at and experience the world: since everything here becomes more organic and vague, we can’t measure anything, the dimension temporal itself loosens, almost dissolving.
 Crossing these extremes in connection, concerning objectivity and subjectivity, Paolo Parisi’s artistic research finds ways of constant deepening. This important aspect, inherent in the ontological status of art itself, is formalized in “open” series: in the sense of reciprocal derivations and influences (from one artwork to another), and in the sense of internal extensions and transformations that, respecting a rigorous basic system, are derived from the comparison with the particularity of places and situations. 
 
In fact, the Unité d’habitation project,  from 2010 – the title is a direct quotation of Le Corbusier’s architectural-urbanistic construction – has developed, over time, as a continuous modulation of painting, sculpture, drawing and engraving to link the functionalist ideal with the substantial non-functionality of art – its elementary scan of orthogonal lines is assumed as emblem. And in this specific case, it takes a further form: a “platform” for sharing experiences / events; an open area related to the environment, the authorial research and the relationship with the other-from-itself: it is precisely here that it becomes possible to transform a place into a “place to be”.
 
A new artwork-poster, at the entrance, shows the “program” of events throughout the entire period of the exhibition. And the exhibition is a path made by works and installations coming from different periods of the artist’s research.
 
A large and black Unité d’Habitation – whose superficial subdivision is evident and essential – becomes itself a “perceptible” creation of space, a vibration that, at the time of observation, absorbs and returns everything surrounding it. Three U.s.a.i.s.o (acronym of: one on the other clockwise, 1996>2013): sculptures, evocative of a basic abode, overlaid in pairs, the lower one made of cardboard and the upper one made of plaster; the shifting of one with respect to the other, distinguishable by the presence of an “access”, raises the question of reproducibility and suggests the possibility of an infinite reproduction. With some analogies Terre Emerse (2000-2002),- exhibited for the first time – are composed of layers of cardboard on which the artist has intervened with color; they concern the comparison between identity and difference. Also, in this case, the extreme structural simplicity corresponds to an equally extreme sophistication of the effects inherent in perception and comprehension. In fact, what frontally appears as a uniform surface, from the side view (displacement of the traditional point of view) reveals a stratification the artwork is, at the same time, individual and composite.
 
On the first floor of the space, we find a new set-up of The problem of Sharing the Available Space compared to the Color of the Painting. …and the Atmospheric Dust  (2012) transforming natural light into color, treating it like a pictorial material: the painting does not end with contemplation but “invades” real space and becomes a total experience – walking, talking, breathing in color…
All the artworks and installations, although autonomous, in the specificity of the exhibition contribute to the definition of a point of focus, this is the platform for the events. The first is Live Electronics by the musician Tommaso Rosati: the unpublished footage of the action Classic Colour Names (Symphony) of Paolo Parisi becomes a stimulus for a new composition. During the following period: Kinkaleri Stealing, Marco Meozzi Into Architecture, Fabio Cresci + Enrico Vezzi + Remo Zanin Orientarsi, Vittoria Ciolini + Alba Braza + 4 mysterious figures Infinity.
 

 
I tentativi verso una prossimità tra la dimensione artistica, che di per sé è sempre rappresentativa di qualcosa di ulteriore, e la prassi aderente alle funzioni che viene svolta nel quotidiano, assumono un certo grado di concretezza quando vengono declinati a un’idea delimitata di utilità, come avvenuto con carattere programmatico soprattutto nella produzione industriale e nell’architettura, volendosi riferire a una eredità culturale non troppo lontana, durante quel modernismo che dà i primi segni al principio del novecento. Discorso differente e più complesso invece è provare a delineare quale e quanta sia la portata generale dell’arte al livello del sensibile, rispetto alle personali attitudini a guardare ed esperire il mondo: poiché qui tutto diviene insieme più organico e più vago, la stessa dimensione temporale si allenta, quasi dissolvendosi – i segni di ogni tempo, giungendo alla soglia della recettività, possono concorrere per dinamiche infinite alla costituzione del nostro modo di essere.

Attraversando questi estremi tra loro in relazione, riferibili all’oggettività e alla soggettività – più nello specifico: a ciò che dell’oggetto diviene mezzo di sensibilità – la ricerca di Paolo Parisi trova vie di costante approfondimento. Tale specifico, così importante perché inerente lo statuto ontologico stesso dell’arte, viene formalizzato in serie “aperte”: sia nel senso di reciproche derivazioni ed influenze, sia nel senso di interni ampliamenti e trasformazioni che, nel rispetto di un impianto basilare rigoroso, vengono derivati dal confronto con la particolarità dei luoghi e delle situazioni. Così il progetto Unité d’habitation sviluppato a partire dal 2010, nel titolo citazione diretta delle costruzioni architettonico-urbanistiche di Le Corbusier, venuto nel tempo costituendosi come modulazione continua di pittura, scultura, disegno, incisione per porre in rapporto l’ideale funzionalista – di cui si assume a emblema l’elementare scansione di linee ortogonali – con la sostanziale non funzionalità dell’arte, qui prende una forma ulteriore: piattaforma/platform di ospitalità per esperienze/eventi di condivisione. Una zona di apertura “in comune” tra l’ambiente, la propria ricerca e il rapporto con l’altro-da-sé: è proprio in tale zona che si rende possibile la trasformazione di un luogo in “luogo per essere”, secondo l’attitudine da cui scaturisce il ciclo A Place to Be nella sua interezza.

Un manifesto-opera inedito, presente dall’ingresso, riporta la scansione di appuntamenti lungo tutto il periodo della mostra. Come un nucleo cui si giunga per vari gradi, il percorso nella sua interezza è costruito tramite l’incontro con alcune delle opere e installazioni della ricerca dell’artista. Una grande Unité d’Habitation nera, la cui suddivisione pittorica superficiale, evidente e materica pur nell’essenzialità dell’andamento, diviene essa stessa creazione “percepibile” dello spazio, una vibrazione che, all’atto dell’osservazione, insieme assorbe e restituisce quanto la circonda. Tre U.s.a.i.s.o (acronimo di: Uno sull’altro in senso orario): sculture di forma abitativa sovrapposte a coppie, l’inferiore in cartone e la superiore, come un calco, in gesso; lo spostamento orario di una rispetto all’altra, distinguibile per la presenza di un accesso, come una variazione dell’identico pone la questione della riproducibilità, ossia di quella successione che va dall’unico alla sua ripetizione – si tratta in questo caso sempre di una singola copia, ma è quanto basta a suggerire l’eventualità di una ri-produzione infinita. Con fattori di affinità alcune Terre Emerse (2000-2002), esposte per la prima volta, composte da strati di cartone su cui l’artista è intervenuto con il colore, riguardano il confronto tra identità e differenza; anche in questo caso all’estrema semplicità strutturale corrisponde una altrettanto estrema sofisticazione degli effetti inerenti la percezione e la comprensione, infatti ciò che d’acchito appare come una superficie uniforme, se osservato di lato (spostamento del punto di vista tradizionale) svela una stratificazione rispetto a cui non vi sono soluzioni di continuità, l’estensione è contemporaneamente frammentata e continua, l’opera singola e composta.

Nella zona superiore, una riedizione di Il problema della condivisione dello spazio in architettura e rispetto al colore della pittura. …e il pulviscolo atmosferico (2012), a trasformazione della luce naturale in colore, trattandola come una materia pittorica: pittura che non si esaurisce nella contemplazione ma che invade lo spazio reale e diviene dimensione esperibile ad un livello totale, fino alla sua praticabilità – camminare nel colore, parlare, respirare…

Tutte le opere/installazioni, pur autonome, nella specificità dell’esposizione concorrono alla definizione di un punto focale, appunto la piattaforma degli eventi. Il primo, ad apertura della mostra, è l’intervento sonoro Live Electronics del musicista Tommaso Rosati, a partire dal girato inedito dell’azione Nomi dei Colori Classici (Sinfonia)1; in un processo di stratificazione, ri-attuato in tempo reale, l’opera video-audio di partenza, già a sua volta derivata da un processo di improvvisazione, diventa stimolo per una nuova composizione. Seguendo una nota d’ispirazione, che riguarda le varie declinazioni di significato dell’abitare (avere, esserci), seguiranno Kinkaleri Stealing, Marco Meozzi Into Architecture, Fabio Cresci+Enrico Vezzi+Remo Zanin Orientarsi, Vittoria Ciolini+Alba Braza+4 figure misteriose Infinito.

Paolo Parisi (Catania, 1965), vive e lavora a Firenze, è tra i fondatori dello spazio Base / Progetti per l’arte. A partire dall’inizio degli Anni ’90 ha esposto in numerose gallerie e musei italiani ed esteri tra cui: 2006 la personale alla Städtische Galerie im Lenbachhaus di Monaco dal titolo “Observatorium – Gegen den Strom”, nel 2007 partecipa alla mostra “Good Morning Babilonia” presso la Primo Marella Gallery di Pechino. Nel 2008 realizza la mostra personale “Observatorium (Museum)” al Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci di Prato e l’azione sonora “Nomi dei colori classici (Sinfonia)” per la mostra “Per adesso noi siamo qua”, a Villa Romana di Firenze. Dal 2007 al 2009 partecipa alla mostra itinerante, “Italian Genius Now”, promossa dal Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci. Del 2010 sono le partecipazioni a “Senza Titolo #1. Landscapes / (confini in disordine)” presso il Magazzino d’arte moderna di Roma e a “Niente Da Vedere. Tutto Da Vivere”, all’interno della XIV Biennale Internazionale di Scultura di Carrara. Nel 2011, oltre alla partecipazione a “Broken Fall (Organic)” presso la Galleria Enrico Astuni di Bologna e alla realizzazione di “Observatorium (Blu.Tally)”, un’opera sonora realizzata presso il Museo Riso di Palermo, realizza l’installazione “Commonplace (Unitè d’habitation), appositamente concepita per la Fondazione Brodbeck di Catania. Nel 2013, a seguito della residenza svolta presso il Centre International Les Recollets di Parigi con il supporto della DENA Foundation e del Museo Riso di Palermo, realizza il film “Untitled – postcards (Film)” poi esposto al CNEAI, Chatoux, Parigi (2013); al Klaipêda Culture Communication Center di Klaipêda (2013) e allo stesso Museo d’arte Moderna e Contemporanea Palazzo Riso di Palermo (2014). Nel 2015 il suo lavoro è incluso nelle mostre “Capolavori dalla collezione Farnesina. Uno sguardo sull’arte italiana dagli anni Cinquanta ad oggi” presso il Museo d’Arte contemporanea MSU di Zagabria e “Le stanza d’Aragona. Pratiche pittoriche all’alba del nuovo millennio”, presso il Villino Favaloro di Palermo. Dal 1993 è docente all’Accademia di Belle arti di Bologna e dal 2010, fino ad oggi, di Firenze. Dal 2001 al 2003 ha collaborato alla didattica del Laboratorio di Giulio Paolini presso la Facoltà di Design e Arti dello IUAV di Venezia.